LE ONDE ELETTRICHE DEI MISTICI MODERNI

Nel marasma del modernismo globalizzato nel quale ci troviamo può succedere che nascano cose intrinsecamente interessanti come, per esempio, degli ibridi musicali pensati dalla generazione che meglio riesce ad assorbire ed interpretare tutti gli innumerevoli input che la nostra epoca offre.

I giovani di oggi riescono, di fronte alla disponibilità pressochè totale di un oceano di musica, a pescare a piene mani dal passato inserendo perfettamente ogni intuizione in un contesto decisamente attuale.

Probabilmente hanno dalla loro parte la consapevolezza di poter/dover assorbire tutto lo scibile musicale, come del resto qualsiasi altra cosa, con una velocità diversa dettata principalmente dall’avvento di una tecnologia (il world wide web o più comunemente la rete) che permette sempre il qui ed ora con una simultaneità sino ad oggi sconosciuta.

Ad onor del vero, sarà per la mia età (quest’anno sono cinquanta), ma ho sempre, sino ad ora, mal sopportato il melting pot di vari generi (anche se a tempo debito, anni novanta, mi ero appassionato a certo crossover fuori dagli schemi) soprattutto se in questi sono presenti, in ogni possibile forma, i miei amati sixties: preferivo le bands filologiche perché nulla poteva essere meglio di quanto fatto in quella magica epoca ed era quindi inutile pensare di attualizzare una formula senza tempo!!

Beh, oggi sono cambiato forse anche a causa di quanto appena esposto, quindi ho iniziato ad ascoltare in maniera più flessibile quanto per me una volta non era fondamentalmente concepibile a causa della mia ristrettezza mentale, devo ammetterlo.

Tutto il mercato indipendente è stato certamente smosso, negli ultimi dieci anni, da figure centrali e pionieristiche come quelle del giovane Ty Segall (nato a Laguna Beach, USA nel 1987) che è ormai giunto al suo ottavo (?!?) album e del più attempato John Dwyer con i suoi Oh Sees (gli albums sono dieci ad oggi!!) ed i suoi progetti paralleli dove tutti i generi vengono mischiati e fagocitati, seguendo il loro background fatto di ascolti dei più disparati (tipici della generazione dell’immediata disponibilità totale o, se preferite, dell’usa e getta) che si traspongono nel loro percorso musicale ed artistico: lo specchio dei tempi moderni.

E’ così che anche tutti i generi musicali noti (siano essi garage, psychedelia, new wave, punk, post-punk….) hanno progressivamente assunto connotazioni differenti in funzione di una rinnovata attitudine al, diciamo così, meticciato.

Il primo colpo di fulmine istantaneo mi era successo, ricordo nitidamente, con l’ascolto dei Crystal Stilts, bands di Brooklyn (New York) dedita ad una formula molto interessante di ibridazione sonora.

Formatisi nel 2003 hanno esordito sulla lunga distanza soltanto nel 2008 con Alight Of Night, ovvero un esordio che amalgamava con disinvoltura sonorità ricche di reminiscenze debritrici dei Joy Division di Unknown Pleasures  (in primis la profonda voce di Brad Hargett, il carismatico leader) con l’aggiunta di echi e distorsioni chitarristiche di pura marca Jesus & Mary Chain (Psychocandy, naturalmente), ritmiche sempre cadenzate e melodie completamente immerse in un climax sixties in rigorosa bassa fedeltà.

Il successivo In Love With Oblivion del 2011 prosegue egregiamente sulla stessa linea muovendosi maggiormente in direzione pop! Con il terzo Nature Noir del 2013 hanno immesso, nel già poliedrico sound, anche marcate influenze di Byrds con un frequente uso del caratteristico jingle-jangle che li vede orientati verso lidi folk-rock ed un suono più pulito senza perdere nulla in freschezza.

Onestamente non sono mai andato a cercare bands simili a loro sino a quando mi è casualmente capitato di comprare Relax, secondo splendido album degli Holy Wave nel 2014.

Gli Holy Wave provengono dal giro di Austin legato alla Reverberation Appreciation Society (la loro etichetta discografica) ed ai più noti Black Angels. Anche loro sono un bellissimo ibrido di new wave (quella buona degli anni novanta che parte da certe cose di scuola 4AD ed arriva a lambire certo math-rock più morbido), fortissimi echi sixties, soprattutto per quanto riguarda le melodie e le parti vocali, che rimandano direttamente a quel magico periodo, la ritmica più orientata verso una metronomica matrice di origine krauta anni settanta e certo punk, primi anni ottanta, non scalfito ancora da nessun spasmo hardcore.

Con il nuovo Freaks Of Nurtur, il loro flessuoso sound ha spiccato il volo verso lidi ad alto tasso allucinogeno perfettamente riscontrabile già dall’opener She Put a Seed In My Ear, leggiadra e sicura con ritmica sincopata e voce altamente evocativa.

L’indimenticabile melodia catchy di Western Playland si incolla in maniera indissolubile nella nostra memoria e ci accompagna alla successiva, dai forti richiami di garage moderno, You Should Lie.

Come brano manifesto possiamo prendere California Took My Baby Away, dove un paesaggio sonoro lieve e delicato di chitarre dolcemente stratificate ci avvolge come una nebbiosa mattina sulla spiaggia e la voce armoniosamente intensa ci accarezza nel ricordo di memorie ancora nitide e presenti.

Un radioso futuro li attende se continueranno a svilupparsi in questa interessante direzione.

Dalla soleggiata California provengono invece i molto promettenti Levitation Room che con il loro primo album Ethos (che contiene quattro brani già precedentemente apparsi nel loro già riuscitissimo mini LP di esordio dell’anno scorso intitolato Minds Of Our Own) riescono a creare una splendida tessitura di soavi e sognanti atmosfere dreamgaze (vale a dire shoegaze iterativo ma dolce ed etereo) con profonde radici sixties immerse nella psychedelia più rarefatta con chitarre trattate e fluttuanti e melodie sempre sugli scudi.

Album che riesce in mezz’ora tirata, con forti inserimenti di garage, diluito in acidissime spirali di chitarra (Cosmic Flowers e la magnifica Loved), a non sbagliare un colpo inserendo brani moody da manuale come Reason Why o There Are No Words, quest’ultimo dai forti richiami dei migliori Seeds, con il fuzz egregiamente somministrato, nenie orientali come Plain To See, lenta e sognante, ed anche Till You Reach Your Last Breath e la finale Crystal Ball dove i delicati arpeggi di chitarra e la voce modulata e sensuale ci invitano ad entrare nel loro magico mondo catapultandoci in un caleidoscopio pazzamente colorato.

Ora si fa’ un salto a Melbourne (Australia) dove si sono formati i fantastici Murlocs, giovanissma band che ha assimilato perfettamente la lezione di conterranei maestri sixties come Master Apprentices (prendete come esempio l’immortale brano Wars Or Hands Of Time presente sul loro omonimo debutto datato 1967) e, vivendo nel presente, ha saputo diluire il suono in un molteplice gorgo di sinuosi riverberi zeppi di riferimenti anni novanta (new wave, post punk, punk, dream pop, shoegaze………..).

Questa band è veramente unica per attitudine e sicurezza dei propri mezzi: in loro la matrice garage / R & B è decisamente posta in evidenza (il suono è molto in linea con le produzioni del periodo 1965/1966) ma la vera particolarità è la voce di Ambrose Kenny-Smith, fragile ed infantile, con un trasporto ed una presenza così peculiari da ammaliare chiunque.

Anche nel loro caso le melodie hanno un’importanza cruciale; vedi gli illuminanti esempi distribuiti nei loro, ad oggi, due albums, ripettivamente Loopholes (2014) ed il nuovo Young Blindness (2016).

E’ un vero piacere lasciar scorrere brani come la sognante e sospesa Control Freaks , tra riverberi elettrici ed armonica avvolgente, come anche Paranoid Joy, completamente fuori dal tempo, persa in una dimensione psychedelica caratterizzata da innocenti visioni adolescenziali (entrambe tratte dal primo Loopholes).

Il recente Young Blindness li conferma a livelli di assoluta eccellenza, distribuendo le intuizioni dall’iniziale incalzante Happy Face, proseguendo con la cadenzata Young Blindness dove è la splendida voce filtrata a guidare le danze sino ad arrivare alla lenta ed ipnotica Rolling On, densa di aromi peace & love ed alla conclusiva Reassurance, più pop ed evocativa.

Rimanendo sempre nei dintorni di Melbourne e precisamente a Geelong non possiamo esimerci dal citare i Frowning Clouds che dalla posizione filologica del primo album del 2009 (Listen Closelier) contenente anche una fantastica cover di Do Like Me degli indimenticati Uncalled For, anno 1967, si sono progressivamente spostati tra le pieghe allucinogene del secondo album del 2013 (Whereabouts) sino ad arrivare, nel 2014, alla  perfetta deriva psychedelica del terzo Legalize Everything (il titolo dovrebbe rendere chiaro il concetto).

Tra le misteriose ed affascinanti “mille luci di New York” sono nati e cresciuti invece i Mistery Lights, vero e proprio oggetto non identificato catapultato nell’attuale panorama musicale odierno da una dimensione parallela.

Dopo un ancora acerbo debutto nel lontano 2009 (Teenage Catgirls And The Mistery Lightshow) ed un altrettanto acerbo seguito, disponibile esclusivamente in cassetta, nel 2015 (At Home With The Mistery Lights) sono approdati al recente e prodigioso manifesto rappresentato dall’omonimo terzo album ufficiale registrato totalmente in analogico nei vintage studio della Daptone Records, House of Soul!

Provate ad immaginare una band con un suono filologico (1965/1966) ma un’attitudine figlia del periodo post-punk migliore (Killing Joke in primis) o, se preferite immaginate una band come, per esempio, i succitati Killing Joke che realizza un album di covers dei Chocolate Watchband o Music Machine.

L’album in questione è una sorprendente summa del migliore garage punk odierno con un’attitudine angolare e spigolosa tipica di certo math-rock (Don Caballero), cosa ben udibile sin dalle iniziali squilibrate evoluzioni delle scorribande elettriche di Follow Me Home dove la performance del vocalist, chitarrista e frontman Mike Brandon è veramente strepitosa. Credetemi, nel genere tra le cose migliori oggi in circolazione.

Se volete trovare un’attualizzazione dei suoni che abbiamo amato ma che non appartengono più, per forza di cose, alla nostra epoca, potete senza timore di smentita, cercarla in nuove bands come quelle che ho provato a proporvi tra le tante che si muovono in questa direzione: l’unica possibile oggigiorno?

Certamente no, ma una valida alternativa per cercare di avere una visione ottimistica di ciò che ci attenderà!

Fabio Reverberend Avaro

VV.AA. - Bullshit Detector, Vol.2

(2LP Crass Records)

Gli insondabili spazi mentali relativi alla memoria ed ai ricordi sono sempre molto distanti dalle strade schematiche della razionalità.

L’etimologia della parola ricordo è da ricercarsi, come spesso accade, dal latino re-indietro e cor-cuore: richiamare in cuore.

E’ quindi spesso legato, il ricordo, ad un’associazione di immagini o situazioni del passato con forte intensità emotiva rivissute nel presente.

Perché il ricordo è rivissuto nel qui ed ora: adesso, con tutto ciò che il presente comporta e condiziona.

Non so’ proprio spiegare razionalmente per quale motivo, oggi, esattamente trentaquattro anni dopo (il disco in oggetto usciva nel lontano 1982), sono intento a rivivere le sensazioni intensissime che l’ascolto di quest’ultimo ancora comporta.

Ma questo, in fondo, non è importante.

Questo disco è intrinsecamente legato all’universo che ruotava intorno ai CRASS di Penny Rimbaud e Steve Ignorant ed alla loro comune di anarco-pacifisti inglesi.

I CRASS erano riusciti a creare un loro mondo, parallelo a quello reale!

Non contenti di come il mondo reale si fosse de-evoluto erano riusciti a proporne una loro versione riveduta e corretta secondo il loro credo.

E’ con questa visione che hanno immaginato i volumi di Bullshit Detector (tre dal 1980 al 1983 e poi uno, non ufficiale, aggiunto nel 1994 e prodotto dalla anarco-punk label svizzera Resistance Productions Rec.), spronando tutte le persone che gravitavano intorno a loro a creare e ad inviare i loro demo-tapes con art work social-visionari e tutto ciò che riuscivano a pensare nell’ottica della più genuina etica punk del d.i.y..

E’ quindi chiaro che la qualità del suono, sempre piuttosto crudo, povero e primitivo, non rientra nelle caratteristiche primarie di questa mitica serie anche perché i CRASS non hanno voluto intervenire con nessuna aggiunta o modifica in fase di produzione.

Questa era la loro etica: prendere o lasciare!!

Il disco, un doppio vinile, corredato come era consueto ed identificativo nel mondo dei CRASS e della loro etichetta completamente autogestita (e con prezzo massimo imposto contro le logiche di mercato) con un poster pieghevole in bianco e nero con foto della famiglia reale con i teschi al posto dei volti ed un cut-up interno di immagini che permettevano a chiunque di entrare nel loro mondo, saldamente ancorato alle condizioni della working-class e del proletariato inglese di quegli anni (gli anni drammatici di Maggie Tatcher) e di tutti i loro sogni e bisogni attraverso i testi delle loro canzoni.

Dei tretntotto brani di questo doppio vinile voglio soffermarmi solamente su quello di una misconosciuta band chiamata THE SUSPETCS: il loro brano si intitola Random Relations.

A quei tempi ho passato tanti momenti guardando il collage di foto all’interno della cover e precisamente soffermandomi su una foto di due punks adolescenti seduti su di un muro con, alle spalle, un grigio condominio molto simile a un casermone senza scampo, a una prigione!

Quando i miei occhi si posavano su quell’immagine e sui due ragazzi, mentre scorreva lo splendido brano dei SUSPETCS, atipico, dalle cadenze quasi reggae, la mia fantasia iniziava a creare possibili scenari della loro quotidianità.

Con lo sguardo vacuo, perso nel vuoto della periferia senza presente e senza futuro nella quale vivevano (Norwich), mentre la voce raccontava come trascorrevano i loro giorni, come potevano trascorrerli; giorni pieni di rabbia e frustrazione per un lavoro assurdo e mal pagato, per il crescente incubo nucleare, per la noia e la mancanza di qualsiasi prospettiva.

Nulla è mai stato facile, giravano di posto in posto alla ricerca di una speranza per il loro futuro senza ottenere mai alcuna risposta. La migliore cosa che potevano fare era quella di tornare da dove erano partiti e riprendere tutto da capo.

Girarsi intorno ed aspettare di diventare pazzi…

Tutto, ma proprio tutto, era perfetto per capire, oggi come allora, le condizioni della maggior parte dei giovani di allora, dei giovani inglesi di allora.

Pensare lucidamente che quelle condizioni non sono troppo dissimili da quelle dei giovani italiani di oggi mi riempe di tristezza.

Chi avrebbe mai ipotizzato che oggi saremmo finiti completamente travolti ( per fortuna non tutti!) da talent-shows, come X-FACTOR e compagnia, pensati unicamente nella logica del profitto, con buona pace di Manuel Agnelli che in tutto questo bailamme ha trovato la sua luce!

I ricordi ri-affiorano sempre: THE DECLINE OF WESTERN CIVILIZATION!!

Reverberend

Bullshit Detector 2

DATURA4 - Hairy Mountain

(CD Alive Natural Sounds)

DOM MARIANI è una figura centrale nella riscoperta del suono sixties; sin dagli anni ottanta, prima con i fantastici STEMS (dal suono più morbido e byrdsiano) poi con i DM3 (più power pop alla FLAMIN’ GROOVIES) e con tante altre bands ha sempre creato dischi influenzati magicamente da quella irripetibile decade.

GREG HITCHCOCK, alla maggior parte delle persone meno noto, ha avuto un ruolo importante con i suoi YOU AMI (dal corposo suono rock tipicamente australiano) e poi anche con i NEW CHRISTS in una delle loro reincarnazioni nel proporre solide melodie dal sapore sixties in un contesto più ampio.

Ho sempre letto e seguito le gesta di DOM MARIANI perchè ha sempre avuto dalla sua, diversamente da molti altri personaggi del “giro” , una penna magica ed un occhio speciale per le melodie che, in un genere come il rock dei sixties, hanno sempre avuto un’ importanza capitale.

Diciamo onestamente che da tempo, essendo un po’ stufo del genere (avendo già diverse migliaia di dischi nella mia collezione!!!), mi soffermavo alla lettura e non approfondivo ulteriormente.

La verità è che negli ultimi tempi riguardo tutto ciò che ascoltavo che gravitava intorno alla galassia sixties, sia per quanto riguardava bands psichedeliche sia per quanto riguardava bands di impronta più pop-oriented o più garage, tendevo ad essere iper crtitico ed a trovare piccoli difetti da criticone invecchiato male, tipo dire quasi sempre che mancavano i brani o erano scolastici o non erano niente che valesse la pena di essere ricordato.

Moltissime bands hanno un’immagine ultra-cool, suono incredibile e filologico ma non sono capaci minimamente di costruire una serie di accordi degna di essere ascoltata per più di una volta.

Questa è la triste realtà di ciò che è rimasto oggi della scena sixties oriented.

Dopo aver ascoltato per tanti anni bands oscurissime del passato (tramite le ultra limited editions di compilations da tutto il globo terrestre) e bands altrettanto oscure del presente (avendo i contatti con tutte le persone della scena) probabilmente oggi voglio solo il meglio del meglio.

Un giorno qualsiasi mi è capitato per puro caso di ascoltare in rete Fools Gold Rush, brano di apertura di Hairy Mountain , e di essermene assolutamente innamorato come non mi capitava da tanto tempo.

Il brano è realmente sensazionale: pura perfezione melodica con un suono bilanciato, cristallino, molto elettrico con tentazioni hard ma senza esserlo e le voci calde e nitide sugli scudi.

Insomma l’ho immediatamente ordinato ed appena mi è arrivato, dopo aver ammirato la fantastica cover ultra-psychedelica di Joshua Marc Levy sono rimasto letteralmente ipnotizzato da un disco che rasenta la pura perfezione.

Credetemi, nel genere, è difficile anche immaginare un disco ed una bands così completi e definitivi.

I brani alternano melodie che possono rimandare solo ai BEATLES più maturi o agli STONES più puri, con un appeal psichedelico degno dei migliori CHOCOLATE WATCHBAND fusi in maniera eccelsa alla totale ipnosi elettrica degli STOOGES di Raw Power, il loro terzo ed ultimo capitolo prima del crollo verticale.

Beninteso il disco è ultra elettrico ma per nulla violento.

Il suono e la costruzione di TUTTI i brani è così compatta e riuscita che non ricordo nemmeno da quanto tempo non mi capitava di ascoltare qualcosa di così bello in un genere così inflazionato (i DATURA4 hanno realizzato anche Demon’s Blues, loro esordio, bellissimo anche se leggermente, questione di virgole, sottotono rispetto a questo nuovo album).

Davvero non c’è NULLA da poter aggiungere: il consiglio è quello di godere ad occhi chiusi durante lo scorrere dei brani.

E’ solo da gente che AMA letteralmente la propria vita e la musica che esegue che ci si può aspettare qualcosa di così puro e compiuto.

Quando meno te lo aspetti, anche dopo tanti anni di ascolti ossessivi, ti capita di trovarti emozionato davanti all’ hi-fi e gioire come un ragazzino inconsapevole di tutto ciò che lo circonda.

Grazie DOM e grazie DATURA4.

Reverberend

Datura4 - Fools Gold Rush

SINISTRO - Semente

(CD Season Of Mist)

Il promo sheet che accompagna il secondo disco dei portoghesi Sinistro (il primo per la Season Of Mist) li definisce doom. Come mille altre band in circolazione ai nostri giorni. Se ci aggiungiamo che tranne la cantante, tutti gli altri musicisti sono etichettati con una singola lettera, ce n’è abbastanza per suonare l’allarme… Invece, sorprendentemente, il disco è uno dei migliori usciti quest’anno, parola mia (l’ho già detto e lo ridico: il 2016 è l’anno delle fanciulle, fidatevi).

Formato da elementi provenienti dai punk rockers We Are The Damned e dai grinders Atentado, con la cantante Patricia Andrade, impegnata anche come attrice ed in altri progetti musicali lontani dal metal, il gruppo dei Sinistro è fautore di una musica assolutamente impressionante e a tratti davvero originale. Provate ad immaginare un ibrido costituito da Black Sabbath, Portishead e Cocteau Twins… Siamo da quelle parti.

L’opener Partida parte aggressiva, grazie alle chitarre di Y e R (ecco, ci siamo…) ma è sicuramente la voce della Andrade a catturare l’attenzione: sensuale, seduttiva e incantevole; ricorda a momenti Beth Gibbons o Shirley Manson, ma con in più il colore ed il calore della lingua portoghese.

Proseguendo nell’ascolto di Semente, appare chiaro che il punto di forza del gruppo è proprio la voce di Patricia Andrade, ricca di ammirevole personalità e versatilità, capace di sottolineare di volta in volta le atmosfere dei vari brani, oscillando con maestria tra le tonalità più liquide e luttuose e quelle più tipicamente doom ed aggressive.

La title-track è puro trip-hop, ma ammantato di un’oscurità sconosciuta agli eroi britannici dell’epoca d’oro di questo genere; mentre la successiva Reliquia è sferzata da riffs sludge che lasciano comunque trapelare influenze ambient e shoegaze.

A Visita si lascia cullare da dolcissimi arpeggi di chitarra e loops elettronici fascinosi. La conclusiva Fragmento è forse la più imponente del disco: innervata da un riff tipicamente sabbathiano e ripetuto all’infinito…

Una sorpresa davvero, questi Sinistro, e a questo punto mi aspetto un prosieguo di carriera all’altezza di questo Semente.

Rivelazione dell’anno, niente di meno.

Edvard von Doom

Sinistro - Reliquia

ESBEN AND THE WITCH - Older Terrors

(CD Season Of Mist)

Giunti oggi al quarto lavoro sulla lunga distanza, non considerando lo split con i Thought Forms, gli inglesi Esben And The Witch confermano quanto di buono pubblicato in precedenza. Rachel Davies, bassista e cantante, ed i suoi sodali mantengono inalterate le loro peculiarità, in quello che loro stessi definiscono nightmare pop. Si tratta, più precisamente, di un suono darkwave, atmosferico, con pennellate di post-metal e di black, i cui punti cardinali si possono rintracciare tra The Cure, Myrkur, Nebelung, Gathering (quelli di Mandylion) e, perchè no, PJ Harvey.

Older Terror contiene quattro brani, per un totale di oltre 46 minuti, il che ci porta ad una prima considerazione: gli Esben And The Witch hanno un problema ad editare le loro canzoni, sono inevitabilmente tutte troppo lunghe ed al loro interno non succedono così tante cose da giustificarne la durata. Eppure. Eppure, miracolosamente, il gioco funziona a perfezione e si rivela nettamente a favore della band. L’iniziale Sylvan è una lenta, atmosferica litania dove la strumentazione è scarna e quasi sullo sfondo, mentre l’ipnotica voce di Rachel, sognante e ieratica ci ammalia come una sirena. E la lunghezza del brano diventa quasi troppo breve, incredibile se si pensa che il primo sussulto chitarristico arriva al minuto 9:30!

Le altre canzoni sono in fondo variazioni sullo stesso tema principale, con la voce della Davies sempre sugli scudi, che naviga su un mare di riffs jangly post-rock. Marking The Heart Of The Serpent ha un’atmosfera più jazzata e movimentata, mentre The Wolf’s Sun propone un approccio più rock’n’roll (se così si può dire) dove la voce della Davies si staglia su di un groove intenso e di grande effetto.

La chiusura del disco è appannaggio di The Reverist, la mia preferita, con il suo mood fantasmatico e inquietante e i lamenti eterei e incantatori della Davies: un brano difficile da descrivere ma facile da amare al primo ascolto.

Il gruppo è davvero fantastico nel riuscire a rendere sempre interessante e sorprendente la propria proposta musicale, in fondo minimale e diluita per il minutaggio dei brani, e molto di questo lo si deve alla voce di Rachel Davies; ma anche le coloriture autunnali del suono della chitarra e il drumming spartano e “incombente” contribuiscono in modo sostanziale al risultato finale.

Insomma, gli Esben And The Witch sono un piccolo miracolo, una delizia sonora che affascinerà chi avrà la voglia di ascoltarli con attenzione.

Alla strega è riuscito un altro incantesimo, non lasciatevelo sfuggire.

Edvard von Doom

Esben And The Witch - The Reverist

WOLF PEOPLE - Ruins

(CD Jagjaguwar)

I WOLF PEOPLE sono un moderno e poliedrico gruppo rock, perfetto specchio della nostra epoca.

Sono inglesi, esistono dal 2010 e nell’arco di tre album (questo Ruins è il quarto) sono riusciti a definire in maniera impeccabile una formula rock che, come un prezioso diamante, è caratterizzata da molteplici ed interessanti sfaccettature.

Anche rispetto al già centrato e maturo Fain, del 2013, sono cresciuti in maniera esponenziale in tutte le direzioni.

A prevalere su tutto è sempre e comunque la solida matrice rock: tutte le altre influenze sono perfettamente amalgamate in essa.

L’album è composto da dodici episodi che mettono in evidenza la loro bravura nel prendere dal passato, sia esso il folk inglese che faceva riferimento ai FAIRPORT CONVENTION (come avviene nella bucolica meraviglia di Crumbling Dais), oppure il muro elettrico sabbathiano completamente personalizzato (negli immondi ritmi cadenzati di Night Witch) o la tradizione classica orientale paventata nei tre episodi di Kingfisher  (una specie di mantra aperti su orizzonti di infinita spiritualità) ed inserirlo perfettamente in una soluzione che spesso comprende in maniera coesa tutte queste influenze attualizzate ad oggi (Rhine Sagas, Not Me Sir, Salts Mill).

I WOLF PEOPLE sono una band dei nostri tempi, con tutte le urgenze che li contraddistinguono ed anche con una giovane mentalità (anche se giovani loro, per la verità, non lo sono più) aperta nell’inglobare ed assimilare influenze delle più disparate.

E’ una band che davvero può mettere d’accordo tutti gli amanti del rock in generale.

Di quante bands attuali si può dire questo? Sono davvero speciali, credetemi.

Non si pongono limiti ma tutte le nuove influenze vengono assorbite dalla complessa costruzione dei loro brani che sono sempre al centro di tutto e risultano sempre molto fruibili anche dal punto di vista melodico: lo stesso si può dire delle bellissime ed uniche armonie vocali a più voci, sempre in risalto e curate in ogni dettaglio.

Difficile quindi, anche volendolo fare, dare un’etichetta alla loro musica, fluida e sfuggente.

Moderno rock è indubbiamente l’unica etichetta possibile e pertanto Ruins è un disco consigliato indiscriminatamente a tutti gli amanti della musica.

Un disco importante, certamente uno dei migliori sentiti quest’anno.

Reverberend

Wolf People - Ninth Night

BO RAMSEY - Wildwood Calling

(CD Lustre Records)

La musica contenuta in Wildwood Calling  è autentico cibo per l’anima.
Non conosco bene BO RAMSEY; l’ho conosciuto tramite i THE PINES, il progetto dell’originale interpretazione delle radici di due suoi figli.
Mi sono avvicinato a questo disco per la cover, semplice e splendida al tempo stesso.
Proprio come piace a me.
BO RAMSEY è stato largamente influenzato dal rockabilly e dal suono della mitica Sun Records (di SAM PHILLIPS) negli anni cinquanta ed è stato premiato e riconosciuto con diversi riconoscimenti ufficiali durante la sua lunghissima carriera.
Da lungo tempo si è ritirato nella natia Eastern Iowa nella sua fattoria, a contattto con la sua terra, la terra della sua musica, della sua vita.
La musica è la sua vita e lui è percorso letteralmente, oggi come allora come sempre, dal blues.
Dal dolore, dall’amore, due entità inseparabili.
Nel momento in cui stavo per accingermi all’ascolto di questo disco ho aperto la spartana busta di carta nella quale è contenuto ed ho notato che all’interno c’è un foglio: da una parte c’è una foto, in bianco e nero, un po’ sfocata (presumibilmente della fattoria di BO) realizzata da PIETA BROWN.
Beh, i contorni anneriti di questa foto e la sagoma della fattoria, nera sullo sfondo, contengono tutta la musica di questo disco: la perfetta trasposizione del blues!
Già, l’attaccamento alla sua terra è totale; del resto BO ha preferito allontanarsi dal resto del mondo, confuso ed infelice oramai costretto lentamente verso un ineluttabile declino.
Si inizia con Fly On (Part 2) deidcata a Prince Rogers Nelson (in arte PRINCE) ed subito magia pura, come fluttuare con dolcezza e profondità sull’essenza del blues.
Il suono della sua chitarra riverberata e poco altro che ci ammalia ed incanta con poche perfette note.
L’intensità emotiva di un disco come questo, un disco che non deve dimostrare niente a nessuno e che presumibilmente verrà velocemente inghiottito da tutto il rumore che lo circonda.
Un disco silenzioso, dove il suono è sempre misurato e scheletrico, dove l’eco del grande nulla, degli spazi immobili ed immensi del ventre americano è una costante immancabile.
La natura e la terra sono anch’esse due costanti nella mente di BO e, quindi, nella sua musica.
La fusione di questi tre elementi è totale ed è forse questa spontaneità ed onestà fuori da ogni perversa logica del profitto a fare la differenza.
E’ difficile da spiegare a parole ma la sensazione durante l’ascolto è di appagamento ed abbandono allo stesso tempo.
Sentite Out There ed è come essere BO che guarda dalla finestra della sua fattoria: impagabile.
Le emozioni, quando sono sincere, possono arrivare ovunque come quando ci si innamora: l’assoluto.
Solo l’attento ascolto rende giustizia alla grandezza di questi suoni che non cambieranno il corso della storia, questo è certo, ma lasceranno certamente un segno indelebile nei nostri cuori.
Eppure è solo BLUES…

Reverberend

Sorry, no link